LA CASA DE LOS CUATRO PUNTOS CARDINALES

sábado, 13 de junio de 2020

EL HOMBRE QUE SE AMOTINÓ CONTRA HUMPHREY BOGART


En el Hollywood clásico habitaron dos actores llamados Van que comenzaron su carrera y alcanzaron posteriormente el estrellato en los estudios de la Metro Goldwyn Mayer durante la década de los 40. Uno de ellos fue Van Heflin, aquel hombre modesto, de físico algo rudo y poco agraciado, que dio lo mejor de sí mismo en westerns tan conocidos como El tren de las 3:10 o Raíces profundas. El otro fue Van Johnson, actor recordado por su sempiterna expresión risueña y su campechanía.



Charles Van Dell Johnson (1916-2008) adquirió fama rápidamente debido a su prestancia y a la saludable imagen que proyectaba en pantalla del boy next door, el joven norteamericano típico. Su ascendencia sueca explica el cabello rojizo y la complexión pecosa característicos que tanto furor hicieron entre las adolescentes de la época, y que le granjearon el apodo de The Voiceless Sinatra. Como ídolo de las bobby soxers, Johnson llenó el vacío que dejaron galanes como Robert Taylor y Clark Gable cuando se incorporaron a filas durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, un accidente automovilístico ocurrido mientras se dirigía al estreno de la película La llama sagrada, en 1943, dejaría a Van con una placa metálica en la frente y la incapacitación para alistarse en el ejército. Todo sucedió cuando Johnson todavía se encontraba rodando Dos en el cielo (A guy named Joe), primera versión de la historia romántico-fantástica popularizada por Steven Spielberg en Always, décadas después. Curiosamente, en este film, el personaje de Spencer Tracy, un piloto que muere en el transcurso de una misión y debe ejercer de ángel de la guarda de Johnson, adquiere emotivas concomitancias con la realidad. De hecho, Van pudo terminar la película gracias a la insistencia de Tracy en que la filmación se detuviera hasta que Johnson se recobrara de su convalecencia, gesto que el joven actor nunca olvidaría.
A partir de entonces, la carrera de Van se mantuvo imparable hasta mediados de los 50. El hombre que no pudo ir a la guerra sirvió estoicamente en todos los cuerpos militares estadounidenses, eso sí, siempre bajo el estandarte de la MGM. Treinta segundos sobre Tokio, Sublime decisión, La comedia humana, Todos a una, Fuego en la nieve o Escuadrilla heroica fueron algunos de los títulos que le vieron combatir contra el enemigo alemán o japonés, según lo exigiera el guion. Pero el ídolo de las matinees también vivió hermosos romances vestido de uniforme, como demuestran High Barbaree (1946) y Milagro bajo la lluvia (1956). En la primera, que adaptaba la novela homónima de Charles Nordhoff, autor de la celebérrima Rebelión a bordo, compartía protagonismo con la radiante June Allyson (actriz con quien coincidiría en otras películas, formando la pareja next door más popular de la postguerra) y era un piloto naufragado en mitad del océano que sobrevive recordando la isla soñada de High Barbaree, el lugar mítico del que su tío marino (interpretado por el genial Thomas Mitchell) le hablaba desde que era niño. Por su parte, Milagro bajo la lluvia retomaba la imagen de simpático soldado campechano que Johnson había cultivado más de una década atrás para enriquecerla con toques de romanticismo mágico. Su partenaire fue esta vez la especialista en melodramas Jane Wyman y el film incluyó numerosas escenas al aire libre rodadas en pleno Central Park. 



No obstante, las dotes artísticas de Van Johnson no se limitaron al campo militar hollywoodiense. Como bien reconocía, la MGM fue su alma mater y le dio oportunidad de ampliar su espectro de personajes en géneros como el musical, el drama, la comedia o el cine negro, siempre que no se alejaran demasiado del prototipo que el público se había formado de él. Así, Van terminó su contrato con la Metro por todo lo alto con dos producciones en technicolor que figurarían entre lo más selecto de su filmografía, La última vez que vi París y Brigadoon, ambas de 1954. En la primera, encarnó al escritor hedonista Charlie Wills, que se enamora de Elizabeth Taylor el día de la liberación de París en la adaptación del relato de Scott Fitzgerald Babylon Revisited, a las órdenes de Richard Brooks. Lirismo y nostalgia impregnan las imágenes de esta película con la que Van se estrenó como escritor en la ficción.


Para Brigadoon, uno de los mejores musicales de la historia del cine, Johnson sacó lustre a sus habilidades como bailarín y le dio la réplica al gran Gene Kelly en una inolvidable película que situaba a ambos en un pueblecito escocés que sólo despierta una vez cada 100 años de su misterioso letargo. El divertido personaje de Van prefería el ambiente mundano de Manhattan a la quietud del extraño lugar donde el tiempo parece haberse detenido. Este maravilloso musical donde resuenan los ecos de Shangri-La fue uno de los hitos del cinemascope de 1954 y contó además con la dirección de Vincente Minnelli y la presencia de la simpar Cyd Charisse. Aquella no fue su única aportación a un género donde se movía como pez en el agua, pues anteriormente había intervenido en títulos como En aquel viejo verano, junto a Judy Garland, o Serenata en el Valle del Sol. Ese mismo año, Johnson remataría su triplete de obras maestras apareciendo en la legendaria El motín del Caine, ya para Columbia Pictures, donde encarnaría con una seriedad inédita en su registro al segundo de a bordo Maryk, que se ve obligado a relevar a su neurótico capitán de barco (Humphrey Bogart) en uno de los motines más famosos del Séptimo Arte. Para entonces, había quedado ya definido el estilo interpretativo de Johnson, una combinación de naturalidad, honradez y afabilidad corroborada por las declaraciones de sus parejas cinematográficas, como la célebre Esther Williams, con quien rodó un quinteto de coloridos musicales.  



La ausencia de divismo de Van tal vez procediera de su personalidad más profunda y le ayudó a crear complejas caracterizaciones en dos de sus mejores películas, Vivir un gran amor y A 23 pasos de Baker Street, ambas producidas fuera del territorio familiar de la Metro. La primera adaptaba la novela de Graham Greene The End of the Affair y presentaba a Johnson como el escritor que protagoniza un atormentado romance con una mujer casada (Deborah Kerr) durante el blitz londinense. También en la capital británica sucedía la acción de A 23 pasos de Baker Street (1956), un film de suspense donde Van encarnaba magistralmente a un escritor ciego empeñado en resolver un caso policiaco tras escuchar cierta conversación en un pub. A pesar de su declive a finales de los años 60, Van Johnson no dejó nunca de trabajar en el mundo del espectáculo. Sus veinte años de estancia en la MGM le prepararon para afrontar los retos del celuloide más exigente y le hicieron sentirse parte de una familia que tal vez le faltó en la vida real. En cualquier caso, la carrera de este gran actor nacido en el diminuto estado de Rhode Island, aunque visitante de lugares imaginarios como el brumoso Brigadoon o la costa de High Barbaree, reafirma la eficacia del star system que le vio nacer.

viernes, 10 de abril de 2020

El amor por la libertad: Howard Fast y “Espartaco”



En 1951, el escritor norteamericano Howard Fast (Nueva York, 1914) publicó mediante suscripción popular “Espartaco” (Spartacus), una novela histórica que había sido rechazada sistemáticamente por varias editoriales, entre otras razones debido a la afiliación del autor con el comunismo y a sus discrepancias con el Comité de Actividades Antiamericanas liderado por el siniestro senador McCarthy. Nueve años después, al ser adaptada a la gran pantalla por el director británico Stanley Kubrick con guion de otro represaliado por la Caza de Brujas de Hollywood, Dalton Trumbo, “Espartaco” obtendría la popularidad y el reconocimiento que se le habían negado en su momento, siendo traducida a 82 idiomas y vendiendo millones de ejemplares.






La novela posee una estructura diferente a la de la película, ya que en ella el personaje de Espartaco, el legendario esclavo que lideró la rebelión de los gladiadores contra el poderío romano en el año 71 a.C., no asume el protagonismo absoluto, como sí ocurre en el film protagonizado por el recientemente desaparecido Kirk Douglas, sino que su personalidad se va dibujando a través de los recuerdos e impresiones de quienes le conocieron. Sin embargo, el hilo conductor de la historia, que no es otro que la defensa de la libertad ante la tiranía, mantiene su vigencia en su paso al celuloide y se ve reforzado por otro de los temas centrales de la novela: el amor imperecedero entre el valiente esclavo tracio y su esposa Varinia.








La dedicatoria del libro de Howard Fast constituye, por sí sola, toda una declaración de principios, de esas que a uno le apetece enmarcar y colgar en la pared del salón para releer de vez en cuando:



“Este libro es para mis hijos Rachel y Jonathan. Se trata de una historia de hombres y mujeres valientes que existieron hace muchos siglos y cuyos nombres nunca han sido olvidados. Los héroes de este relato amaban la libertad y la dignidad humana y vivieron con nobleza. Escribí esta novela para que quienes la lean, ya sean mis hijos u otras personas, puedan derivar de ella fuerzas suficientes para afrontar nuestro turbulento futuro, y les sea posible combatir la opresión y el mal, de tal manera que el sueño de Espartaco pueda realizarse en nuestra época”.   


El principal artífice de que “Espartaco” viviera para siempre a través del cine sería su protagonista y productor, Kirk Douglas. El intérprete de origen ruso estaba interesado en llevar a la pantalla la novela de Fast desde mediados de los 50 y, en 1958, acordó cofinanciar esta colosal superproducción a través de su propia productora (Bryna Productions), junto a uno de los principales estudios, Universal Pictures. Para escribir el guion, contrató a Dalton Trumbo, uno de los tristemente célebres Diez de Hollywood, que había subsistido durante los últimos años firmando sus guiones con diversos seudónimos. La dirección del film le fue ofrecida en un principio a David Lean, quien la rechazó, y tras el despido de Anthony Mann por aparentes desavenencias con Douglas, éste se puso en contacto con Stanley Kubrick, el joven director inglés con quien había rodado en 1957 el clásico antimilitarista “Senderos de gloria”. Actores británicos tan prestigiosos como Laurence Olivier, Charles Laughton y Peter Ustinov encarnarían a los personajes romanos más destacados de la película, mientras que la actriz inglesa Jean Simmons, afincada en Estados Unidos, se encargaría de dar vida a la bella Varinia, el gran amor de Espartaco. Al igual que había ocurrido en “Los vikingos”, estrenada en 1958, Tony Curtis volvería a compartir cartel con Kirk Douglas, esta vez interpretando al poeta Antonino, fiel amigo del esclavo libertador.  


–¿Temes a la muerte, Espartaco?

–No más que a la vida.


El Espartaco de Stanley Kubrick y Kirk Douglas, realizado en 1960, conserva todos los valores humanos de la novela de Howard Fast y le confiere la fuerza cinematográfica del formato Technirama 70, la belleza de la banda sonora de Alex North y la espectacularidad de decorados y paisajes naturales rodados en escenarios españoles, con la participación de 5.000 soldados nacionales que sirvieron como extras. En 1991, el film fue objeto de una cuidada y exhaustiva restauración que le añadió 10 minutos de metraje adicional inédito, lo que nos permite disfrutar todavía más de sus épicos fotogramas. Espartaco ha quedado como la “película de romanos” más moderna y visionaria de la historia del cine, sentando un raro precedente en el género del péplum, ya que combina escenas intimistas de emotivo lirismo (como el reencuentro de Espartaco y Varinia a orillas del río) con impresionantes secuencias de masas, impensables en el cine actual.   






El idealismo y espíritu libertario de la novela de Howard Fast luce en todo su esplendor en el hermoso discurso que pronuncia Espartaco en el capítulo VI de la obra. Si el esclavo era para los romanos simplemente una “herramienta con voz” (instrumentum vocale), la voz literaria de Espartaco expresa de la siguiente manera sus ansias de libertad, fraternidad y justicia:






“El mundo está cansado del canto del látigo. Es el único canto que los nobles romanos conocen. Pero nosotros no queremos volver a oírlo más. Al principio, todos los hombres eran iguales y vivían en paz, compartiendo entre ellos cuanto poseían. Pero ahora hay dos clases de hombres: amos y esclavos. Sin embargo, nosotros somos más numerosos que vosotros, mucho más. Y también somos más fuertes y mejores que vosotros. Cuanto de bueno hay en la humanidad está en nosotros, nos pertenece”.



miércoles, 1 de abril de 2020

"El hombre tranquilo" (The Quiet Man), un lugar idílico donde descansar



Si hay una película que nos haga sentir como ninguna otra la alegría de vivir, esa es, sin lugar a dudas, “El hombre tranquilo” (The Quiet Man), dirigida por el genial John Ford en 1952. La irresistible banda sonora de Victor Young expresa perfectamente con sus acordes irlandeses la vitalidad de esta obra maestra del cine que adaptaba a la gran pantalla la novela de Maurice Walsh. Como ocurre en tantos otros casos, la obra cinematográfica supera con creces a la literaria, añadiéndole una dimensión humana y mítica a la vez que la convierte en imperecedera para nuestra memoria sentimental.






John Wayne resulta inolvidable como el ex boxeador norteamericano Sean “Tornado” Thornton, resuelto a dejar atrás su pasado y a empezar una nueva vida en la tierra de sus ancestros, mientras que Maureen O’Hara ofrece una de sus actuaciones más recordadas como la carismática pelirroja Mary Kate Danaher, empeñada en no renunciar a la dote que le corresponde. Pero también habita en ese pueblecito irlandés de tarjeta postal el viejo Michaeleen Flynn (Barry Fitzgerald), filósofo y casamentero de reducida estatura cuyo caballo se detiene por voluntad propia frente al pub local. Este anciano con sonrisa de duende celta y una afición más que desmedida por el whisky suele exclamar “¡Homérico!” cuando algo se sale de lo común. Algo parecido nos sucede cada vez que visionamos esta maravillosa película a la que alguien debería haber nominado para el Premio Nobel de la Paz. Solo podemos calificarla de “homérica”, mientras buscamos otro adjetivo que acierte a describir fielmente todas las virtudes que encierra en sus edificantes fotogramas de celuloide tecnicoloreado.   

La Irlanda de “El hombre tranquilo” no es un reflejo fidedigno de la realidad, pero nos llega al corazón mucho más directamente que si lo fuese. Y es que el idílico pueblecito de Innisfree no se encuentra en ningún mapa y solo se puede acceder a él mediante el ejercicio de la imaginación. El nombre de este mítico escenario del celuloide más intemporal se inspira en unos magníficos versos de William Butler Yeats, el poeta nacional irlandés:






La isla del lago de Innisfree (The Lake Isle of Innisfree)
(W.B. Yeats)


Ahora me levantaré y emprenderé la marcha hacia Innisfree,
y una pequeña cabaña allí edificaré, con arcilla y zarzos:
nueve surcos de judías plantaré, así como un panal de miel,
y viviré solitario en el claro, entre el fragor de las abejas.

Y algo de paz allí tendré, porque la paz gotea con lentitud,
dejándose caer desde los velos matutinos hasta el lugar donde canta el grillo;
allí la medianoche es un tenue resplandor, y el mediodía un brillo purpúreo
y el atardecer se llena de alas de pardillo.

Me levantaré y emprenderé la marcha, pues siempre, sea noche o día,
puedo escuchar cómo el agua del lago chapotea con suaves sonidos contra la orilla;
mientras permanezco quieto en la carretera o sobre el grisáceo asfalto,
la oigo en lo más profundo de mi corazón.


Traducción de Ricardo José Gómez Tovar ©